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Godard — Le Cinéma comme Pensée et Rupture

Art & Culture → Cinéma → Auteur (Nouvelle Vague et au-delà) — Jean-Luc Godard (1930-2022), cinéaste franco-suisse, est la figure la plus radicale de la Nouvelle Vague et sans doute le cinéaste qui a…

Art & Culture → Cinéma → Auteur (Nouvelle Vague et au-delà)

Thèse principale Jean-Luc Godard (1930-2022), cinéaste franco-suisse, est la figure la plus radicale de la Nouvelle Vague et sans doute le cinéaste qui a le plus transformé la grammaire du cinéma au XXe siècle. Son geste fondamental : faire du film non pas un récit qui s’efface derrière son illusion, mais un objet pensant, visible comme construction — un cinéma qui montre qu’il est du cinéma. « Ce n’est pas une image juste, c’est juste une image », résume sa méfiance envers le sens tout fait et sa foi dans la forme.

Argument Là où le cinéma classique (hollywoodien) vise la transparence (on oublie la caméra, on croit à l’histoire), Godard vise l’opacité réflexive : faux raccords, adresses au spectateur, citations, cartons, ruptures de ton. Héritier de la distanciation brechtienne, il refuse l’identification et l’émotion faciles pour forcer le spectateur à penser ce qu’il voit. Le film devient un essai : un lieu où l’on cite, monte, oppose des idées, des images et des sons, comme on écrit.

Explication

1. Le critique devenu cinéaste (l’école des Cahiers)

  • Godard commence comme critique aux Cahiers du cinéma dans les années 1950, avec Truffaut, Rohmer, Chabrol, Rivette, sous l’influence d’André Bazin. Cette génération théorise la politique des auteurs (le réalisateur est le vrai « auteur » du film) avant de passer à la réalisation. C’est la tradition dont se réclame François Bégaudeau quand il parle de « l’école Bazin ».

2. La rupture inaugurale : À bout de souffle (1960)

  • Son premier long-métrage impose d’un coup une nouvelle liberté formelle : jump cuts (faux raccords), tournage caméra à l’épaule en décors naturels, montage désinvolte, budget minuscule. Voir À bout de souffle. Il gagne l’Ours d’argent du meilleur réalisateur à Berlin.

3. Les grandes périodes

  • Années 1960 (l’âge d’or) : Le Mépris (1963, avec Bardot — sur le cinéma lui-même), Pierrot le fou (1965), Vivre sa vie, Alphaville, Week-end (1967). Beauté plastique, couleurs pop, mélange de citation littéraire et de politique.
  • Tournant politique (post-Mai 68) : Godard se radicalise, fonde le groupe Dziga Vertov (avec Jean-Pierre Gorin), fait un cinéma militant, maoïste, anti-spectaculaire. Rupture avec l’industrie.
  • Retour et somme (années 1980-2010) : Sauve qui peut (la vie) (1980), Je vous salue Marie, et surtout Histoire(s) du cinéma (1988-1998), vaste essai vidéo sur le cinéma et le XXe siècle. Puis Adieu au langage (2014, en 3D expérimentale), Le Livre d’image (2018).

4. Le cinéma comme montage et pensée

  • Pour Godard, l’essentiel n’est pas dans le plan mais dans le rapport entre les plans (le montage), et entre l’image et le son (souvent désaccordés). Le sens naît du choc, de la collision — méthode d’essayiste, proche du collage.

Nuance critique Godard divise : génie absolu pour les uns, hermétisme prétentieux pour les autres, surtout dans sa période tardive (films-fleuves, allusifs, difficiles). On lui a reproché des provocations (propos ambigus, misanthropie). Mais son influence est incommensurable : tout le cinéma moderne, du film d’auteur au clip, porte sa marque. Il meurt le 13 septembre 2022 en Suisse, par suicide assisté (légal dans son pays) — geste ultime d’un homme qui aura toujours revendiqué sa liberté.

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